CFP : Colloque « Imaginary places, real territories. Territorial imagery and the creation of a Dutch identity (1579-1702) » / Imaginaires des lieux, réalité des territoires. La construction d’une identité néerlandaise par l’image (1579-1702) – 16-17 Déc. 2020 – Paris – Deadline 31 Juillet 2020

*English below*

Le GRANIT est heureux d’annoncer sa participation à l’organisation du colloque « Imaginary places, real territories. Territorial imagery and the creation of a Dutch identity (1579-1702) », fruit d’une collaboration entre l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, l’Ens Ulm, ainsi que l’Universiteit Leiden. Il se tiendra les 16 et 17 décembre prochains à l’Inha à Paris.

Ayant pour objectif d’encourager une conversation productive autour des méthodologies actuelles pour l’étude des liens entre image et culture à l’époque moderne, tout en favorisant une approche trans-disciplinaire, ce colloque propose de réunir des chercheurs et professionnels aux parcours diversifiés, afin de mettre en lumière la façon dont l’art néerlandais a fait de la représentation des territoires nationaux et transnationaux le creuset d’une identité commune. Les différentes interventions nous permettront d’appréhender l’imaginaire du territoire dans la culture visuelle néerlandaise et ses liens avec la construction du mythe national des Sept Provinces à l’époque moderne. 

Argumentaire scientifique

En 1548, Charles Quint fait des Dix-Sept Provinces une entité politique unique avec la création du cercle de Bourgogne ; trente ans plus tard, la révolte des Pays-Bas contre la tutelle espagnole fait voler cette unité avec la signature de l’Union d’Utrecht en 1579. Dès lors, pour les Provinces-Unies auto-proclamées indépendantes, s’amorce un processus de légitimation et de construction nationale au sein duquel le rapport au territoire constitue un enjeu d’autant plus crucial que les frontières continuent de fluctuer au gré des aléas de la guerre de 80 ans. Au cours de cette période, la définition géographique, puis culturelle du territoire commun se superpose progressivement aux identités locales : Si le terme de vaderland n’est utilisé pour faire référence à la République des Sept Provinces dans sa totalité qu’à partir du XVIIIe siècle, la notion même de territoire est investie de fonctions politiques dès le XVIe siècle aux Pays-Bas, ce dont témoignent les arts visuels.

Outil stratégique d’expansion territoriale et de développement économique, la cartographie apparaît comme le lieu privilégié des projections idéologiques et des revendications politiques. Les cartes métaphoriques, qui donnent aux terres des Habsbourg les traits d’une femme dont la péninsule espagnole forme la tête couronnée, et aux Dix-Sept provinces celle du Leo Belgicus, revendiquant l’intégrité des territoires historiques des Pays-Bas et mettant en garde tout agresseur éventuel, en sont de parfaits exemples. Non moins parlantes sont les cartes maritimes, sur lesquelles s’appuient l’hégémonie économique des Provinces-Unies, qui entremêlent informations scientifiques et fantasmes exotiques.

Dans la peinture, le motif iconographique de la carte géographique dans les scènes d’intérieurs devient un topos de la peinture néerlandaise. Mais c’est également par la représentation du paysage, réel ou fantasmé, que la peinture s’empare du territoire et élabore un discours sur celui-ci, à travers un large panel de genres: vues topographiques, paysages composites élaborés à partir d’éléments existants, « acclimatation » de monuments lointains, représentation du folklore local étroitement associé à un lieu …etc.

Cette rhétorique ne se limite pas à un regard patriotique sur le territoire domestique, mais a recours aux territoires étrangers dans ses stratégies d’affirmation nationale. Qu’il s’agisse de la représentation des Sept Provinces comme une Nouvelle Israël, de l’antiquarisme nourri par les séjours d’artistes dans le Sud de l’Europe puis en Orient, de l’exotisme polissé du Nouveau Monde, les artistes conjuguent réalité et fantasme en faisant appel à la charge historique, culturelle et religieuse de ces territoires. 

De l’apparition à la disparition provisoire d’un régime politique spécifiquement néerlandais en 1702, le stadhoudérat, quel rôle la culture visuelle a-t-elle joué dans l’affirmation politique du territoire national ? Que nous dit le regard que portent les artistes sur leur propre territoire et sur ceux qu’ils visitent ou imaginent ? Comment des éléments d’Ailleurs vus ou rêvés sont-ils intégrés par les artistes dans une rhétorique visuelle locale ? Que nous révèlent ces images du goût du public qui les observe, les commande ou en fait l’acquisition ? Enfin, dans un processus qui allie édification nationale et territoriale, comment le regard sur le territoire, domestique ou étranger, s’incorpore-t-il et enrichit-il l’imaginaire de l’identité néerlandaise ?

Modalités des propositions de communications

*Deadline repoussée au 31 Juillet 2020*

Les thèmes abordés par le colloque pourront comprendre, sans se limiter à :

  • La perception des territoires étrangers et/ou domestiques par les artistes néerlandais
  • La rencontre de territoires réels et imaginaires dans la culture visuelle néerlandaise
  • La rencontre des perceptions nationales et régionales dans l’appréhension du territoire / de l’identité
  • L’image du folklore néerlandais représentée par les artistes néerlandais/étrangers
  • Les collectionneurs/consommateurs/producteurs d’un discours visuel sur l’identité et le territoire
  • Études visuelles sur la perception territoriale dans les contextes coloniaux et post-coloniaux

Nous souhaitons encourager les propositions de chercheurs et de professionnels de milieux diversifiés, incluant, sans se limiter à : Histoire de l’Art, Histoire, Géographie, Cartographie, Muséographie, Architecture…

Merci de nous faire parvenir un résumé de 400-500 mots de la proposition de communication, en anglais, à l’adresse suivante : symposiumterritories@gmail.com

Date limite d’envoi : 31 Juillet 2020

Le comité organisateur :

Suzanne BAVEREZ – ENS Ulm – Paris
Carole FONTICELLI and Esther GUILLAUME – Paris 1 Panthéon-Sorbonne
Sarah MOINE – Universiteit Leiden

—————————————*English version*————————————

We are pleased to announce the theme of our forthcoming 2020 Symposium «Imaginary places, real territories. The involvement of territorial imagery in the creation of Dutch identity (1579-1702) ». Collectively organized by the Paris 1 Panthéon-Sorbonne University, the Ecole Nationale Supérieure Ulm, and the Universiteit Leiden, it will be hosted on December 16th and 17th, 2020, at the INHA (Institut National d’Histoire de l’Art) in Paris. 

This two-day conference aims at shedding light on the ways in which Dutch depictions of national and transnational territories contributed to the shaping and formulation of a shared identity in the Early Modern Netherlands. 

Abstract

In 1548, Charles V gathers the Seventeen Provinces into one political entity through the institution of the Burgundian circle; thirty years later, the Dutch revolt shatters this reunion and institutionalises the rupture with the Union of Utrecht in 1579. Therefore, the creation of a national sentiment, following the terms of an active process of legitimation in the self-appointed United Provinces constitutes a significant issue, as its geographical borders constantly fluctuate throughout the Eighty Years war. This period hence witnesses the progressive definition of a geographical and cultural frame for the Dutch territory, intertwined with a continuous formulation process of local identities. Although it’s only during the XVIIIth century that the term vaderland starts to be commonly used as a national trope of the Dutch Republic – emanating from a preceding regional usage – the sole notion of territory is invested with political meaning as early as the XVIth century in the Netherlands. This symposium aims to study this phenomenon in the visual culture.

In a context of territorial expansion and economic growth, cartography appears as a key element to observe ideological projections and political claims. Metaphorical maps showing the Habsburg territory as a regal woman whose head is shaped by the Iberian Peninsula, or the well-known example of the Leo Belgicus, are evident components of a political rhetoric claiming the historical and cultural integrity for said territories. In the United Provinces, both scientific information and exotic fantasies are superimposed in the many nautical charts that paved the way to its economic hegemony. A close examination of Early Modern painting of interior scenes proves how the iconographic motive of the map became a relevant topos in Dutch visual culture; hence, the visual apprehension of landscape, real or imaginary, retrospectively participates in the rhetoric of the territory in the Netherlands through a variety of genres : topographical views, composite landscapes integrating existing and fantasized elements, local adaptation of foreign monuments, depiction of local folklore that embodies a particular place or region etc.

This rhetoric does not limit itself to a patriotic gaze towards its domestic territory but also integrates foreign or unfamiliar landscapes in the process of national assertion. Whether it morphs into the narrative of the Dutch Republic as a New Israël, a powerful antiquarianism encouraged by the many journeys of artists in Southern Europe or in the Eastern World or a polished exoticism of the New World, artists interweave and converge reality and imagination by summoning the historical, cultural and religious charge of these territories.

From the creation of a federal State in 1579 to the temporary disappearance of the Stadholderate in 1702, what role did the visual culture play in the political assertion of a national territory? How does the artist’s gaze on the territory, local or foreign, real or imagined, allows us to understand this rhetoric? How exactly are fantasized or real elements of foreign places integrated in a local visual discourse? What do these images reveal of the public who commissions, buys and looks at them? Within the process of national and territorial construction, how are these territorial perspectives integrated and part of the enrichment of the Dutch identity narrative?

Considering the variety of these issues, this symposium aims to shed light on the ways in which Dutch depictions of national and transnational territories participated in the formulation of a shared identity. Multidisciplinary discussions will allow us to examine the terms of territorial imagery in Dutch visual culture, and their links with the formation of a national myth in the Early Modern Dutch Republic.

Submission guidelines

*Extended deadline : July 31st 2020*

The symposium invites abstracts in areas including, but not limited to the following :

– Dutch artists’ perceptions of foreign territories
– Dutch artists’ perceptions of their own territories
– Encounters between real and imagined territories in Dutch visual culture
– Encounters of regional and national perceptions of identity/territory
– The idea of Dutch folklore as represented by Dutch and/or foreign artists
– Collectors/consumers/producers of a visual rhetoric on identity and territory
– Visual studies on territorial perception in colonial and post-colonial context

We welcome abstracts from researchers and practitioners in all working fields, including, but not limited to: Art History, Visual Studies, History, Geography, Museum Studies, Architecture.

Please send a 400-500 words abstract as well as a short academic bio to symposiumterritories@gmail.com.

Deadline : July 31st 2020

Organisers
Suzanne BAVEREZ (ENS Ulm – Paris)
Carole FONTICELLI and Esther GUILLAUME (Paris 1 Panthéon-Sorbonne)
Sarah MOINE (Universiteit Leiden)

Séminaire du GRANIT: « Caravage aux Pays-Bas »

Le séminaire « Caravage aux Pays-Bas » vise à approfondir une des thématiques qui s’est dégagée lors du récent colloque « Lumières sacrées, Lumières profanes ».

La révolution caravagesque a joué un rôle important dans l’art néerlandais. Les apports italiens ont fait l’objet de très nombreuses études. Cependant, comme le soulignait Daniel Arasse à propos du maniérisme néerlandais, « l’italianisme rencontre une culture, une tradition artistique ancienne, cohérente et prestigieuse » et « le style italien est filtré, interprété et réélaboré par les artistes locaux » (La Renaissance maniériste, Gallimard, 1997, p. 361). Un siècle plus tard, cette permanence de la tradition artistique ancienne est toujours sensible et donne une coloration spécifique au caravagisme néerlandais.

C’est ce que nous voudrions explorer tant d’un point de vue plastique (traitement de la couleur, de la lumière etc.) que dans les thématiques abordées.

Programme

Les séminaires ont lieu Galerie Colbert (2 rue Vivienne / 6 rue des Petits-Champs), Paris 2e.

Jeudi 27 février, 18h-20h, salle Jullian, Colette Nativel, Introduction.

Jeudi 19 mars, 18h-20h, salle Vasari, David Mandrella, Professeur à l’IESA, Le Christ,source lumineuse ».

Jeudi 23 avril, 18h-20h, salle Jullian, Jürgen Müller, professeur à l’université de Dresde, (titre à préciser).

Paris Talks – Leiden Universiteit

Date: Thursday 20 February 2020
Time: 16:00 – 18:00  hrs
Location: University Library
Witte Singel 26-27
2311 BG Leiden
Room Vossiuszaal

Four young French Fellows at the Department Art History present their research regarding the Dutch seventeenth century

1. Whore, saint or example: Portraits of Mary Magdalene in the Dutch seventeenth-century

Carole Fonticelli, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne

Despite the Calvinist’s rejection of the intercessory role of the saints, the practice completely differs from the theory in the daily life of the seventeenth-century Republic. Indeed, even the dubious saint Mary Magdalene was widely depicted by Dutch artists, even Calvinists. In my talk I will give an overview of how she looked like in a rich diversity of paintings. These representations often regard her as role model –and no longer as an intercessors. Thus we can see how the depiction of the saint surprisingly well fits with Calvinist ideals.

2. A multifaceted Jerusalem Protestant, Catholic and Jewish perspectives in Romeyn de Hooghe’s views of the Temple

Esther Guillaume, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne

During the second half of the seventeenth century, the Dutch Republic witnessed a growing interest for the structure and lost appearance of Solomon’s Temple. This interest, nourished by theologians, artists, as well as curious individuals partially stemmed from the belief in the Republic as the New Israel. This talk will deal with the question how exactly the image of the Jerusalem Temple was appropriated and integrated into the visual culture of a religiously multifaceted Dutch audience. Therefore, I will focus on three distinct cases of Temple representations by Romeyn de Hooghe : The Spiegel om wel te sterven (David de la Vigne, c. 1673), the Schouburgh der Nederlandse Veranderingen (Romeyn de Hooghe, 1674) and the nine prints series on Solomon’s Temple for Hieronymus Nunes da Costa.

3. Emulating, copying, imitating: Roman drawings by the Bentvueghels 

Suzanne Baverez, Ecole Partique des Hautes Etudes

It is well known that during the seventeenth century, the Schildersbent was one of the major sources of entertainment for the Netherlandish artistic community in Rome. The welcoming parties thrown for the induction of a new member Bentvueghel were as many occasions for regularly gathering the expatriated Netherlandish artists, leading to long-lasting companionships among them. How does it impact their artistic practices? Taking a close look at the drawing production of the Bentvueghels – from sketchbooks to preparatory compositions- this talk will discuss the collective artistic pratices that the Schildersbent has fostered. Suzanne Baverez will show how, by drawing side by side, but also by exchanging and copying drawings from one another, the Netherlandish artists led major experimentations. She also shows how the drawings reveal a prominent itinerary through Rome. From this itinerary other questions pop up: Is this itinerary done under the lead of compatriots and differs it from the ones performed by Italian or French artists? Finally, how to qualify the Rome they thus created?
 

4. Understanding art production in Leiden before and after 1575: the case of stained-glass

Sarah Moine, PhD-student Leiden University

Studies of the various aspects of Leiden history often start or end in 1575, after the deadly Spanish siege and at the date of the foundation of the University. However, the richness of the Leiden archives allow for a comprehensive study of the art production through this period, focussing on the continuity and changes of this paradigm-shifting period that is the end of the 16th century and the early years of the so-called “Golden Age.” With the example of the production of stained-glass, a craft of which the use goes far beyond the Catholic art production, we will question the evolution of Leiden as an artistic centre during that time, and illustrate in which fields our primary sources can help us shed new light.

Willem Thibaut, Stained Glass with William II, earl of Holland and Sealand, 1588, Museum de Lakenhal.

Willem Goeree and the production of knowledge in the early modern Netherlands

National Library of the Netherlands (Nationale Bibliotheek, KB), The Hague, March 27, 2020
CfP Deadline: Sep 22, 2019

As a prolific author, publisher and bookseller operating between Middelburg and Amsterdam, Willem Goeree represents a remarkable case study through which to investigate the processes of producing, printing and publishing knowledge in the Dutch Republic. Using Goeree and his works as a starting point, this workshop addresses topics including Goeree’s social network; his involvement in the book trade and his contact with other publishers; and the production process of the volumes he wrote and published. We welcome contributions from both early career and established scholars in the fields of art history, history of the book, history of medicine, science, education, religion and literature.

Please send an abstract of no more than 300 words for a 20-minute paper, along with a brief biographical note to Willem.Goeree.Workshop@gmail.com by September 22, 2019. For more information, see https://arthist.net/archive/21265.

Vision et Spéculation dans l’art de Pieter Bruegel

Paris 1 Panthéon-Sorbonne Galerie Colbert
2, rue Vivienne, 75002 Paris Salle Jullian, 28-29 Juin 2019

Organisé par Michel Weemans (ENSA Bourges, CEHTA-EHESS, Paris), Colette Nativel (Paris 1 Panthéon-Sorbonne, HiCSA)et Ralph Dekoninck (UCLouvain, GEMCA)

Vendredi 28 juin

14.00 : Introduction : Michel WeemansColette Nativel et Ralph DekoninckModérateur : Pierre-Antoine Fabre (Paris, EHESS)

14.30 : Colette Nativel (Paris 1 Panthéon-Sorbonne, HiCSA)Lire un tableau: les leçons de Bruegel

15.30 : Jürgen Müller (Technischen Universität Dresden)Ways of lying : Pieter Bruegel’s religious commentaries

16.30 : Michel Weemans (ENSA-Bourges, CEHTA-EHESS, Paris)Muscipula diaboli: Pieter Bruegel’s Triumph of Death as Trap Image

Samedi 29 juin

Modérateur : Guillaume Cassegrain (Université Grenoble Alpes, LARHRA)

10.00 : Reindert Falkenburg (New York University, Abu Dhabi)“Thick Speculation” on Pieter Bruegel

11.00 : Mitchell Merback (Baltimore, Johns Hopkins University)Estrangement, Attitude, and Speculation: Sedlmayr vs. Bruegel

12h : Déjeuner

Modérateur : Ingrid Falque (UCLouvain, GEMCA)

14.00 : Tine Meganck (Bruxelles, Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique)Spectacles and speculation. Bruegel on seeing and seizing the moment

15.00 : Ralph Dekoninck (UCLouvain, GEMCA)
« Poupées de Kermesse ». Jouer avec l’image

16.00 : Bertrand Prévost (Université Bordeaux Montaigne)
Face de Dieu, tête du Diable. Plasticité, théologie et anthropologie de l’incorporation selon

Bruegel

17.00 : Discussion
17.30 : Conclusions Reindert Falkenburg

Argument

Les images de Bruegel appellent un acte de perception contemplatif et « spéculatif » qui a ses racines dans la culture médiévale mais auquel l’artiste donne une nouvelle forme esthétique à son époque qui est celle de la Renaissance, de l’Humanisme et de la Réforme. Dans la pensée chrétienne, spéculer, c’est s’exercer à la contemplation du monde visible comme moyen de comprendre les principes divins, passer du visible à l’invisible. Dans nombre d’ouvrages qui comportent dans leur titre le terme de « Miroir » (Speculum), les créatures du monde naturel sont décrites comme les traces du Créateur et de ses intentions salvatrices pour le monde.

Ce colloque propose d’envisager la représentation de la nature et des activités humaines chez Bruegel dans le contexte de cette pensée spéculative. À la fois miroir du monde et miroir tendu au spectateur, les images spéculatives de Bruegel sont conçues comme des exercices de discernement.

Il s’agira dès lors d’interroger deux des caractéristiques fondamentales des oeuvres de Bruegel. La première est la manière dont ces oeuvres ne cessent d’articuler ou d’opposer l’aveuglement et le discer- nement spirituel, les apparences de surface et la vérité cachée, les pièges du diabolique et la difficulté à percevoir le divin. OEuvrant conjointement avec la première, la seconde caractéristique est la com- plexité narrative et visuelle des images de Bruegel. Celle-ci implique un ensemble de procédés visuels – profusion et enchevêtrement des figures, réduction et marginalisation des détails les plus signifiants, paradoxes, ambiguïtés et pièges visuels – qui visent à troubler le regard.

Ces journées seront l’occasion d’examiner et de confronter les récentes études sur Bruegel, en revenant sur un certain nombre de questions autour de la conversation, l’ekphrasis, l’exégèse visuelle, la contem- plation, la spéculation.

Comité organisateur :

Michel Weemans, Colette Nativel et Ralph Dekoninck

Comité scientifique :

Ralph Dekoninck, Reindert Falkenburg, Colette Nativel et Michel Weemans

Lumières sacrées, Lumières profanes

INHA, 18-19 Décembre 2019

« O intellect, toi qui mesures tout avec justesse,

dis-moi si par hasard la lumière est Dieu lui-même,

puisque rien n’est plus obscur et lumineux à la fois. »

Marsile Ficin, Quid sit lumen ?

 

« Auprès de cette grotte sombre

Où l’on respire un air si doux,

L’onde lutte avec les cailloux

Et la lumière avecque l’ombre »

Tristan L’Hermite, Le Promenoir des deux amants.

               La dialectique de la lumière et de l’ombre est, dès l’Antiquité, associée non seulement à la représentation, mais aussi à l’origine de la création artistique et de la réflexion sur l’Art (mythe de la Caverne, mythe de Callirrhoé). Les diverses problématiques véhiculées par ces mythes sont discutées par les penseurs, auteurs et artistes de la première modernité. Si Marsile Ficin insiste sur le lien entre lumière, intellect et sacralité et ouvre la voie à une« luminologie » néo-platonicienne extrêmement féconde pour les arts renaissants, la thématique lumineuse peut aussi s’unir, comme dans la poésie de Tristan L’Hermite, à celle de l’amour profane.

            Nous avons pris le parti de placer la problématique de la lumière au cœur des changements – théoriques, scientifiques, techniques et pratiques – qui caractérisent l’époque moderne. Dans le domaine de la peinture, la dialectique du sacré et du profane connaît à l’orée du XVIIe siècle une reformulation radicale avec la «rupture lumineuse» du caravagisme. Selon un nouveau régime de la lumière, aussi étranger à l’esprit de la Renaissance que le devient alors dans le domaine musical la seconda prattica de Monteverdi,lui-même auteur d’un Orfeo à la croisée de deux mondes lumineux, le chiaroscuro des toiles de Caravage permet à la fois de souligner la triviale – mais visible – imperfection de la matière et d’y faire poindre le mystère divin qui la sous-tend. Cette nouvelle conception lumineuse, éminemment oxymorique, est fondatrice de tout un pan de la peinture du XVIIe siècle (Caravagesques néerlandais, Rembrandt, Georges de La Tour…), comme du développement innovant que connaît la gravure, notamment à l’eau-forte (Rembrandt, Callot) et en manière noire (Ribera).

           L’« obscure clarté » de ces œuvres, dans lesquelles lumière et ombre s’opposent touten dialoguant, entretient des liens complexes avec la réflexion sur le christianisme véhiculée par la Réforme et la Contre-Réforme. Artistes et théoriciens des deux courants ont inclus ces variables visuelles dans un discours sur la représentation du visible et de l’invisible. Le pouvoir métaphorique de la peinture dans la révélation de l’invisible à travers la figuration du visible devient une thématique récurrente au XVIIe siècle et valorise la nature fondamentalement ambivalente de la pratique artistique.

           Il ne s’agira pas de réduire la problématique lumineuse à la seule question duténébrisme. Les livres d’emblèmes, les théories scientifiques sur la lumière, l’apparition del’éclairage public, les débats entre les poussinistes et les rubénistes – partisans du dessin etpartisans de la couleur- sont autant d’éléments qui, à divers niveaux, modifient entre lesXVIIe et XVIIIe siècles le rapport à la lumière et questionnent sa fonction dans l’articulationentre le profane et le sacré.

         Selon quelles modalités la lumière parvient-elle à faire dialoguer ces deux mondes? Quels sont les apports caractéristiques du XVIIe siècle en la matière? Quelle est la nature de la métamorphose que ce siècle opère dans la problématique lumineuse? Quelles en sont, d’une part les origines, d’autre part les conséquences à plus long terme ? S’agit-il d’un phénomèneuniforme en Europe ? Quel impact a-t-il sur l’Art ou la pratique artistique du siècle suivant ?

          Ces différentes questions, non exhaustives en l’état, nous amèneront à nous situer dans des bornes chronologiques marquées par deux ruptures : d’un côté, la rupture lumineuse qu’opère Caravage avec la Renaissance, de l’autre le passage à la complexe « lumière des Lumières », marquée dans le dernier tiers du XVIIIe siècle par l’avènement d’un nouvel oxymore culturel, celui de la dualité néoclassicisme/préromantisme.

              Les œuvres etmouvances intellectuelles et artistiques comprises dans ces limites chronologiques donnerontl’occasion d’appréhender les enchevêtrements du sacré et du profane dans la peinture. Ces jeux de superpositions visuelles et sémantiques sont particulièrement visibles dans la peinture de genre et dans les vanités néerlandaises. Nous questionnerons cette ambivalence à travers l’étude à d’estampes et de gravures, d’architectures et de vitraux, de textiles …

PROGRAMME DES INTERVENTIONS

Mercredi 18 Décembre :

 

9h30 :               Accueil des participants et café

 

10h00              Colette Nativel (Professeure, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne):

                          Introduction

 

PEINDRE LA LUMIERE AUX PAYS-BAS (MODÉRATEUR : Olivia Savatier)

 

10h30              Sangmin Lee (Doctorant, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne):

                          Lumières sur la table dressée : la nature morte monochrome au XVIIe siècle

 

11h00              Matthieu Somon (Docteur en histoire de l’art, Université de Louvain-la-Neuve):

La lumière comme outil de composition et d’exégèse chez Rembrandt

 

11h30              Pause

 

MATÉRIALITÉ ET LUMIÈRE (MODÉRATEUR : Olivia Savatier)

 

11h50              Roxane Moine (Restauratrice, Atelier des estampes de la BnF): Lumière et processus de création au XVIIe siècle

 

12h20              Romain Thomas (Maitre de conférences, Université Paris-Nanterre): Lumière et matérialité des œuvres : le cas des Provinces-Unies au XVIIe siècle  

 

12h50              Déjeuner

 

LUMIÈRES ET SPIRITUALITÉ (MODÉRATEUR : Léonard Pouy)

 

14h30              David Mandrella (Docteur, IESA): Spiritualité Carmélite et Lumière

 

15h00              Carole Fonticelli (Doctorante, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne) : Lumière allégorique et lumière mystique : le cas des Marie-Madeleine néerlandaises

 

15h30              Marta Caffiero (Doctorante, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne) : Lumière évangélique et lumière proverbiale : à propos de l’Adoration des bergers (c. 1650) de Bartolomé Esteban Murillo

 

16h00              Pause

 

HISTORIOGRAPHIE DU CLAIR-OBSCUR (MODÉRATEUR : Colette Nativel)

 

16h30              Florent Libral (Docteur, Université Toulouse-Jean Jaurès) : Femmes en clair-obscur dans la poésie française (1615-1668) : entre amour sacré et amour profane

 

17h00              Aline Smeesters (Docteure, Université Catholique de Louvain): La « fantaisie lumineuse » aux XVIe et XVIIe siècles

 

17h30              Discussion et fin de la première journée

 

Jeudi 19 Décembre :

 

LUMIÈRE ET SPATIALITÉ (MODÉRATEUR : Jean-Philippe Garric)

 

10h00 :             Accueil des participants et café

 

10h30              Stéphane Castelluccio (Chargé de recherche au CNRS) :Lumière profane : s’éclairer au XVIIe et XVIIIe siècle

 

11h00              Sarah Moine (Doctorante, Université de Leyde) : Lumière sacrée et lumière profane dans la création des vitraux de la ville de Leyde

 

11h30              Christophe Morin (Maitre de conférence, Université de Tours) : Lumière politique dans les écuries de Condé au XVIIIe siècle

 

12h00              Déjeuner

           

LUMIÈRES DE L’ÉTAT (MODÉRATEUR : Cécile Tainturier)

 

13h30              Esther Guillaume (Doctorante, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne) : « Colonne de nuée le jour, colonne de feu la nuit » : images de l’intervention divine dans les Sept Provinces de Guillaume III

 

14h00              Nikola Piperkov (Docteur en Histoire de l’art, Chercheur associé CNRS): Mercure enlevant le voile de l’obscurantisme menaçant l’Église anglicane : une nouvelle lecture du décor de l’escalier du roi au Château de Hampton Court

 

14h30              Pause

 

LUMIÈRES ET SPATIALITÉS MUSICALES (MODÉRATEUR : Vincent Dorothée )

 

14h50              Jean Duron (Chercheur, Centre de musique baroque de Versailles): Lumières des sons, lumières des timbres dans la musique et la théorie musicale du XVIIe siècle français

 

15h20         Vincent Dorothée et Delphine Pinasa : Lumières textiles d’hier et d’aujourd’hui :     Propos croisés sur les interactions de la lumière et du costume au théâtre dans la première modernité et à l’époque contemporaine

 

15h50              Fin et Pot de clôture

GRANIT

Le GRANIT (Groupe de Recherche sur l’Art du Nord: Images, Textes) est un groupe de recherche en histoire de l’art hébergé par l’ED 441 et l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne.

Il regroupe des enseignants-chercheurs et des doctorants travaillant sur l’histoire de l’art et des théories de l’art en Europe du Nord (France, Flandres, Pays-Bas, Allemagne, Angleterre, Scandinavie) à l’époque de la première modernité et désireux de donner une meilleure visibilité aux études sur l’art d’Europe du Nord de la première modernité.
Le GRANIT étudie selon une perspective historique les différentes étapes de la création (commande, invention et patrimonialisation) et s’intéresse, notamment, aux échanges entre les pays éuropéens afin de saisir les modes d’appropriation et les patrimoines communs.

Le GRANIT est ouvert à toutes les approches de l’histoire de l’art. Outre des spécialistes d’iconographie et d’iconologie, de théorie de l’art, d’histoire des images et des objets artistiques, il accueille, par exemple, des chercheurs reconnus dans le champ des visual studies ou des cultural studies.

Le GRANIT a noué des liens actifs avec plusieurs institutions (Centre allemand d’histoire de l’art, Fondation Custodia, ENS-Ulm, CESR, CETHA). Il est largement ouvert à l’international. Ses membres travaillent avec plusieurs centres européens (Université de Leyde, Université de Louvain, GEMCA, Université de Liège, Rubenianum d’Anvers ; Scuola Normale de Pise, Université de Rome La Sapienza ; Université de Roma Tre ; Université de Florence, Warburg Institute de Londres ; Université de Bucarest…) ou américains (Chicago University, Emory University, Harvard University, New York University, Princeton University).

Le GRANIT est résolument pluridisciplinaire. Il associera aux historiens de l’art des historiens, des historiens du droit, de la littérature, de la philosophie, du spectacle, de la musique…